Color azul oscuro

El simbolismo del color es uno de los más importantes medios de comunicación no verbal que existen y su origen es anterior al nacimiento de la historia. Procede de la directa vinculación que aprecia el entendimiento humano entre los principios elementales de la naturaleza y el color con que aparecen, formando parte del inconsciente colectivo. Con el tiempo, estas sencillas asociaciones psicológicas dieron lugar a otras más sutiles y complejas, un código simbólico, que varía según las épocas y los marcos culturales y geográficos. Tiene como base la capacidad del color de despertar emociones y expresar toda clase de sentimientos.

El azul oscuro es un color primario, un color frío por excelencia. Este tono oscuro se utiliza para mostrar estabilidad, profesionalidad, autoridad y sinceridad. El azul marino se asocia a la profundidad, al orden de lo sagrado, a la inmortalidad y al poder. Según la psicología del color, transmite confianza como significado dominante, por eso se usa en muchos ámbitos de interés colectivo, es un tono muy elegido en la ropa para situaciones importantes de políticos y ejecutivos, para los uniformes de los cuerpos de seguridad o policiales, para la imagen corporativa de aseguradoras, bancos, industria automovilística, farmacéuticas, medios de comunicación, etc.  Al representar también inteligencia y sabiduría, frutos de la serenidad y la estabilidad, se asocia con el racionalismo, la ciencia, la tecnología y la innovación.

Vincent van Gogh, La noche estrellada, 1889, Saint-Rémy-de-Provence, Francia, 921x737 mm.

El cielo nocturno de Van Gogh es un campo de energía turbulenta. Debajo de las estrellas en explosión, el pueblo es un lugar de orden tranquilo, y conectándolo con el cielo está el ciprés flameado, árbol tradicionalmente asociado con cementerios y luto. Van Gogh dijo: “Mirar las estrellas siempre me hace soñar”. La gran estrella blanca a la izquierda del centro del cuadro puede ser la estrella de la mañana o Venus, y la iglesia evoca la tierra natal del pintor, los Países Bajos. La pintura tiene sus raíces en la imaginación, en la memoria, dejando atrás la doctrina impresionista de la verdad a la naturaleza en favor del sentimiento inquieto y el color intenso.

Vincent van Gogh, El cartero Joseph Roulin, 1888, 81,3x65,4 cm.

El cartero local de Arles fue uno de los amigos más cercanos de Van Gogh, que le comentaba a su hermano que estaba trabajando con otro modelo, un cartero con un uniforme azul, adornado con oro, una gran cara con barba, muy parecida a Sócrates. Confiere al modesto cartero toda la autoridad de un almirante. Quiso representar a la familia entera, pintando varios retratos de Madame Roulin y sus hijos.

Anna Ancher, Rayo de sol en la habitación azul, 1891, 65,2x58,8 cm.

Esta pintora danesa viajó poco, se alejó poco de su ambiente natal en Skagen. Estudió dibujo en Copenhague y en París, donde posiblemente adquirió conocimiento sobre el arte expresionista. Fue una pintora de carácter y colorista, pionera en observar la interacción de diferentes colores a la luz natural. Después de casarse, contra la cultura imperante, siguió pintando, sobre todo escenas íntimas de mujeres y niños en las que destaca la riqueza de colores vivos. También pintó temas sencillos de la vida cotidiana de la gente de Skagen, especialmente pescadores, mujeres y niños, e interiores, como éste en el que aparece su hija Helga Ancher.

Pablo Picasso, Mujer melancólica, 1902,

Las pinturas de la época azul de Picasso transmiten sobre todo melancolía y tristeza, y, en buena parte de las temáticas, retratan miseria, desgracia, tragedia, dolor, soledad. Este color transmitía mejor su estado de ánimo a principios del siglo XX. El uso de este tono tiene claros referentes simbólicos; por ejemplo, en la cultura anglosajona se asocia a la depresión, melancolía y la noche, a la que, a su vez, se asocia la tristeza y la desesperanza. En general, son pinturas de dibujo muy preciso en las que llama la atención el alargamiento de las figuras, tomadas del estilo del Greco.

Edouard Manet, El vuelo de Henri Rochefort, 1881, 114x143 cm.

Representa la huida del político y escritor opositor Henri de Rochefort, que fue desterrado a una colonia penal después del colapso de la Comuna en 1871. Tres años más tarde se escapó de la isla de Nueva Caledonia. Este trabajo tardío de Manet constituyó un desafío, ya que se exhibió en el Salón de 1881 como una declaración política, a la vez que hacía un comentario artístico sobre un género, la pintura de historia, que todavía se tenía en alta estima en ese momento.  No consiguió una imagen de historia –incluso los rostros son irreconocibles-, pero creó un manifiesto artístico a favor de la pintura pura, lo que le colocó un poco por delante del joven Claude Monet, quien también trabajó intensamente los efectos del viento y la luz en la superficie del agua, refiriéndose al problema más urgente para el impresionismo en ese momento: la cuestión del contenido en una forma de pintura completamente preocupada por los logros estilísticos.

Gustave Caillebotte, En el Pont de l´Europe, 1876-77, 105,7x130,8 cm.

Caillebotte prefería el dibujo convencional y temas urbanos, a pesar de que sus amigos más cercanos eran Monet y Renoir, los principales defensores de la pincelada suelta y el color brillante.  Al igual que Degas se limitó a medios visuales moderados; este cuadro es prácticamente monocromático, estando los tonos azules en correspondencia con el frío. Se da la idea de que la ingeniería moderna, con sus productos prefabricados y producidos en masa, tiene la misma regularización que la sociedad urbana moderna: los dos hombres están vestidos de manera idéntica. La composición se basa en la estructura geométrica del puente y la humanidad de las figuras reside en su libertad para escapar de la rígida simetría. A la derecha se ve la estación de tren de Saint-Lazare, representada por Monet en varias pinturas hechas en 1877. Además de pintor, Caillebotte fue el mecenas más importante de los impresionistas.

Claude Monet, Paisaje marino, navegando a la luz de la luna, 1864, 73,80 cm.

El joven Monet se estableció con su familia en el puerto normando de Le Havre a mediados de la década de 1850 y, aunque se dedicó a pintar caricaturas de vecinos y conocidos, gracias al tesón de Eugène Boudin, considerado uno de los grandes pintores de marinas del siglo XIX, se fue aficionando a la pintura al aire libre y a las marinas. Los efectos de luz y la atmósfera en este mar salvaje, serían modificadas posteriormente y transformándolo en un mar burgués.

Harald Sohlberg, Noche de invierno en las montañas, 1914, 180,5x160 cm.

Este pintor noruego tiene un estilo que puede enmarcarse en el neorromanticismo, especialmente en paisajes de tono misterioso que evocan la soledad humana y lo infinito de la naturaleza, con un dibujo detallista y una luminosidad que recuerda el esmalte. En 1900 empezó a trabajar en el diseño de un grupo de pinturas en el Parque Nacional Rondane, a la luz de la luna, una experiencia que describió como “extraña, nueva y muy parecida a una revelación”. Después hizo varios estudios y versiones en lápiz, carbón, óleo y acuarela.

Childe Hassam, Medianoche lluviosa, después de 1890, 46,4x54 cm.

Frederick Childe Hassam fue un pintor impresionista estadounidense, conocido por sus escenas urbanas y costeras. Estuvo en París estudiando arte y recibió la influencia del impresionismo francés y del arte de Claude Monet. De vuelta a los Estados Unidos formó parte del Ten American Painters, asociación de pintores norteamericanos impresionistas.

Juan Gris, Todavía vivo ante una ventana abierta, Place Ravignan, 1915.

Es un trabajo innovador, puesto que combina vistas interiores y exteriores dentro de la misma pintura. El artista lo logra a través de elementos pictóricos interrelacionados y sutiles modulaciones de color, incluido un azul intenso que inunda el trabajo con una suavidad de ensueño. El primer plano contiene un arreglo de naturaleza muerta con un periódico, libro, copa de vino, jarra, compota y una botella de vino Médoc sobre una mesa volcada. Estos objetos se refractan a través de haces de luz de colores desde la ventana abierta que lleva a las casas y árboles vecinos a la composición, así como el dosel de hojas que enmarca la parte superior de la imagen como un paraguas.

Arthur Streeton, Desde el punto de McMahon – tarifa un centavo, 1890, Sydney, New South Wales, Australia, 705x911 mm.

Con los ingresos de su primera venta a una galería pública, Streeton visitó Sydney y trabajó entre Coogee y el puerto. Escribió sobre un tema que estaba pintando en el punto de McMahon, “un tema muy encantador, allí mirando hacia Milsons Pt con una extensión de agua, la parte superior de las casas y la plataforma de aterrizaje y [estación] en primer plano de la imagen”.

Lowell Birge Harrison, Una bocanada de vapor, 1870-1929, 24x20 cm.

Pintor paisajista y escritor estadounidense, estuvo en París para estudiar arte por consejo de John Singer Sargent, expuso en el Salón de París y su obra Novembre se convirtió en una de las primeras pinturas de un artista estadounidense en ser comprada por el gobierno francés. Fue un destacado practicante y defensor del tonalismo, y, años después, lo atribuyó a “un pintor escandinavo que me había mostrado el secreto de la pintura atmosférica… y la importancia de la vibración y la refracción en la pintura de paisajes.”