Paolo Veronese (1528-1588)
Comisariada por Miguel Falomir, director del Museo del
Prado, y Enrico Maria dal Pozzolo, profesor de la Università degli Studi di
Verona, la exposición pone de manifiesto la inteligencia pictórica de un
artista con una idea totalizadora del arte que abarcaba innumerables
referencias estéticas y culturales que supo plasmar con gran libertad. Lo hizo
en un momento crítico para Venecia, cuando afloraban las tensiones religiosas
(compareció ante el Santo Oficio en 1573) y se evidenciaban los primeros síntomas
de una decadencia económica y política que sus pinceles camuflaron con
maestría, contribuyendo decisivamente a plasmar en imágenes el “mito de
Venecia”. Y como todos los grandes artistas, Veronese trascendió su tiempo. La
belleza y elegancia de sus composiciones sedujo durante siglos a coleccionistas
y artistas, de Felipe IV y Luis XIV a Rubens, Velázquez, Delacroix o Cézanne.
La exposición alterna seis secciones cronológicas y temáticas. La primera: De Verona a Venecia, atiende a la formación en su Verona natal, ciudad de rico pasado romano donde la tradición local convivía con aportes venecianos (sobre todo Tiziano) y de artistas centro-italianos como Rafael y Parmigianino. La segunda sección: «Maestoso teatro». Arquitectura y escenografía, aborda su modo de entender el espacio y narrar historias, aunando la tradición veneciana y las nociones teatrales y arquitectónicas de Palladio y Daniele Barbaro, y lo confronta con la visión alternativa encarnada por Tintoretto. Se presta particular atención a las célebres Cenas. La tercera: Proceso creativo. Invención y repetición, ahonda en la inteligencia pictórica de Veronese y el modo como dirigió uno de los obradores más fecundos y de mayor calidad de la época. Ello fue posible gracias a un férreo control del proceso creativo y a una sabia distribución de funciones dentro del taller en la que el dibujo resultó fundamental. La cuarta sección: Alegoría y mitología, muestra su excelencia en dos terrenos particularmente queridos por las élites: la alegoría y la fábula mitológica, donde se reveló como el único artista capaz de competir con Tiziano. La quinta sección: El último Veronese, aborda su década final, cuando asistimos a un cambio notable en su pintura, con composiciones inestables de colorido más sombrío y un uso dirigido y a menudo simbólico de la luz, en las que el paisaje cobra nuevo protagonismo. Esta mutación, que anuncia las grandes conquistas pictóricas del Barroco, responde a factores diversos, estéticos y “ambientales”. La exposición concluye con una sección dedicada a su legado: «Haeredes Pauli» y los admiradores de Veronese. La exposición se centra en los inmediatamente posteriores: El Greco, los Carracci y Pedro Pablo Rubens, pero también incluye a artistas tan dispares como Velázquez, Tiépolo, Delacroix o Cezanne.
La exposición
Paolo Veronese triunfó en vida, y tras su muerte gozó del favor ininterrumpido de príncipes, coleccionistas y colegas. Solo en el siglo XX su fama palideció ligeramente al asimilarse su pintura con el lujo y la ampulosidad. Esta exposición se suma al esfuerzo actual por desterrar estas ideas y mostrar la realidad de un pintor que, más que cualquier otro del Renacimiento italiano, supo concretar una idea orgánica y totalizadora del arte. De Veronese se pondera su «inteligencia pictórica» y, ciertamente, tras el oropel anida una calidad superlativa. Gestos, indumentarias, colores y personajes exóticos, espacios ilusorios e imponentes arquitecturas… todo contribuye a que el espectador se imagine dentro de sus composiciones.
De Verona a Venecia
«Maestoso teatro». Arquitectura y escenografía
La pintura narrativa consta de dos elementos: unos personajes que representan una historia y el espacio donde esta acontece, y el modo en el que ambos se relacionan condiciona el diseño de la composición y su recepción. En Venecia convivieron dos aproximaciones encarnadas por dos binomios arquitecto-pintor: Serlio-Tintoretto y Palladio-Veronese. Tintoretto siguió a Sebastiano Serlio (¿1475?-ant. 1557), quien visualizó la escena vitruviana como un espacio en profundidad, con un punto de fuga elevado flanqueado por edificaciones. Andrea Palladio (1508-1580) redujo la escena mediante la disposición transversal de una arquitectura clásica. Veronese incorporó esta solución, situando a sus personajes ante un telón arquitectónico y adoptando un punto de vista bajo que reduce el espacio y aproxima la escena al espectador. El contraste entre arquitectura y personajes se acentúa a través del color. Frente a la unidad atmosférica de Tintoretto, los colores de Veronese y las brillantes indumentarias contrastan con el tono neutro de la arquitectura. Estas dos concepciones espaciales condicionaban el tono de la narración. La serliana daba lugar a composiciones dinámicas de agitados escorzos, mientras la palladiana propiciaba una ordenación del espacio y una gestualidad más serenas, más «majestuosas».
Proceso creativo. Invención y repetición
En el Renacimiento la invención se concebía como el hallazgo de una solución original –formal y técnica– a un problema de representación. En la práctica, consistía en saber relacionar elementos tomados de diferentes fuentes y combinarlos con expresiones personales para crear escenas inéditas, en emplear materiales nuevos o en usar de manera innovadora los tradicionales. No obstante, era frecuente que un cliente pidiera que un trabajo emulara otro anterior o que el artista repitiera sus ideas. Veronese se inspiró tanto en la Antigüedad clásica como en artistas anteriores y contemporáneos y reutilizó constantemente sus propias invenciones, interpretando iconografías poco difundidas en la pintura véneta del siglo XVI. Sus prototipos, incluso cuando se inspiraban en obras de otros artistas, resultaron novedosos por el modo de presentar el discurso narrativo y por el formato, pincelada, color y textura.
Alegoría y mitología
Veronese abordó desde sus inicios asuntos mitológicos y alegorías profanas. Su labor en ese campo fue particularmente fecunda en tres áreas: la decoración al fresco de residencias particulares en ámbitos urbanos y rurales; como artista áulico al servicio de Venecia, y en obras de caballete para coleccionistas. Frecuentó a humanistas que idearon las complejas iconografías que trasladó a imágenes, mostrando habilidad para aprehender y hacer suyas fuentes diversas y ajustando cada composición a su función y lugar, ya sea un ámbito público o privado. Veronese fue decisivo para fijar en imágenes el mito de la prosperidad de Venecia cuando afloraban los síntomas de decadencia. Lo hizo en el Palacio Ducal con un lenguaje imaginativo y solemne, atento a los modelos clásicos, pero sin rigideces anticuarias. Y como pintor mitológico, la sensualidad de sus formas y colores le hicieron el heredero de Tiziano.
El último Veronese
El año de la muerte de Tiziano, 1576, marca simbólicamente el inicio de la última etapa de Paolo. A sus 48 años era uno de los artistas más célebres de Venecia. Frente a la relativa homogeneidad de los años anteriores, su pintura evoluciona hacia composiciones más dramáticas e inestables, de formas más diluidas y colorido sombrío, con un uso dirigido de la luz, a menudo con connotaciones simbólicas, que anticipa soluciones del siglo XVII. Destaca igualmente el protagonismo creciente del paisaje, que adquiere una nueva función narrativa y expresiva. Estos cambios responden tanto a estímulos artísticos (la obra de Tintoretto) como a circunstancias históricas (la terrible peste de 1576; el clima espiritual postridentino). Esta fase tardía se caracteriza por participación cada vez mayor del taller.
«Haeredes Pauli» y los admiradores de Veronese
Con Veronese, como sucede con otros grandes maestros, conviene distinguir entre los herederos legales, y los herederos artísticos, que asimilaron su legado, aunque no le conocieron. A la muerte de Paolo, su hermano Benedetto (1538-1598) y sus hijos Gabriele (1568-1630) y Carletto (1570-1596) mantuvieron el taller con el sello «Haeredes Pauli», en el que produjeron obras reiterativas de discreta calidad. El único que mostró cierta personalidad fue Carletto. Los verdaderos herederos deben buscarse lejos de la familia, en pintores como Guido Reni, Velázquez, Delacroix o Paul Cézanne. Aquí nos centramos en la generación posterior a su muerte: el Greco, coda sobre su extraordinaria recepción en las cortes europeas del Barroco.
Camilla Gonzaga, condesa de San Segundo, y sus hijos. Parmigianino. Girolamo Francesco Maria Mazzola
y taller, 1535 - 1537. Óleo sobre tabla, 128 x 97 cm
San Lucas evangelista sentado en un paisaje y otros estudios, Paolo Veronese, 1580 - 1581. Aguada, Albayalde, Pluma, Preparado a lápiz, Tinta parda, Toques de lápiz sobre papel agarbanzado, 310 x 217 mm
Martirio de San Mena, Paolo Veronese. Hacia 1580. Óleo
sobre lienzo, 248 x 182 cm
El lavatorio, Tintoretto, Jacopo Robusti. 1548 - 1549. Óleo sobre lienzo, 210 x 533 cm
Daniele Barbaro, patriarca de Aquileya, Tiziano,
Vecellio di Gregorio. Hacia 1545. Óleo sobre lienzo, 81 x 69 cm
Un joven de la familia Sanuto elige la Virtud frente al
Vicio, Paolo Veronese. Hacia 1560. Óleo sobre lienzo, 102 x 153 cm
Moisés salvado de las aguas, Paolo Veronese. Hacia 1580.
Óleo sobre lienzo, 57 x 43 cm
La Asunción de
la Virgen, Carracci, Annibale. 1588 - 1590.
Óleo sobre lienzo, 130 x 97 cm
Cristo muerto sostenido por un ángel, Alonso Cano. 1646 -
1652. Óleo sobre lienzo, 178,3 x 119,8 cm
Las bodas de Caná,
Paolo Veronese. Hacia 1562. Óleo sobre lienzo, 128,5 x 211 cm
Alegoría del nacimiento del infante don Fernando, Parrasio, Michele. Hacia 1575. Óleo sobre lienzo, 182 x 223 cm
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