Color violeta

Ya se han visto otros ejemplos de explicaciones de la simbología del color. En “La República al revés”, de Tirso de Molina, toda la escena VIII del tercer acto se resuelve en un rápido diálogo entre Camila y Lidora, indecisa ésta a la hora de escoger vestido, repleto de alusiones a la simbología del color. Tomás de Iriarte, avanzado el siglo XVIII, ironiza acerca del vestuario simbólico de los autos sacramentales: “Todavía no se le podrá olvidar la salida que hacía la noche con manto de terciopelo negro estrellado, la tierra vestida de raso verde y el mar de muer de aguas azul”.

El color violeta, o púrpura, es una combinación de rojo y azul y es el color de la calma, la creatividad, la imaginación, el misterio, la magia, la meditación, lo humano, la espiritualidad, el misticismo. Contribuye a disminuir los miedos y la angustia. Se considera el color de la realeza, la nobleza y el lujo. Dependiendo de los tonos, está asociado con la sensualidad y el romance. Como sentimientos negativos, está relacionado con la fatalidad, violencia, tristeza, dolor y luto.

Fujishima, Takeji, Perfume, 1915, 76x69,5 cm.

Nacido en un hogar de clase exsamurai, estudió arte y se sintió atraído por las nuevas técnicas de pintura al óleo de estilo occidental, cambiando a la pintura de estilo yoga. Su obra de graduación se exhibió en la 3ª Exposición de la Asociación de Arte Meiji en 1891. En Tokio fue profesor asistente en el Departamento de Pintura Occidental de la Escuela de Arte. Viajó a Francia y estudió las técnicas de pintura histórica en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts en París y se convirtió en profesor en la Tokyo Art School y miembro de la Imperial Art Academy.

Frida Kahlo, La niña Virginia, 1929, 101x84 cm.

Se ha dicho que la obra de Frida se mantuvo al margen de la de su esposo, el pintor y muralista Diego Rivera, pero es innegable la influencia que éste ejerció para que, en sus inicios, Frida pintara una serie de niños indígenas mexicanos; cuadros de llamativas combinaciones de colores, con las mismas características del arte popular mexicano. Es el caso de este cuadro, que posee un magnetismo a partir del personaje mismo: la niña, sentada en una silla, sin otro elemento a su alrededor que pueda distraer la atención del espectador, mira fijamente hacia el frente. La pintora puso especial cuidado en los detalles del vestido verde olivo con lunares rojos, y en la expresión facial, en tanto que el segundo plano lo trabajó de forma sencilla, dividiéndolo en dos zonas de colores morado y amarillo.

Claude Monet, Shadow son the Sea. The Cliffs at Pourville, 1882, 800x570 mm.

La técnica impresionista de Monet puede verse completamente desarrollada en su tratamiento de la superficie del mar. Las sombras, los reflejos y los movimientos se representan en una serie de pinceladas cortas y curvas en pigmentos puros y sin mezclar. Los elementos, observados desde la distancia, fluyen juntos en una unidad óptica y la superficie de la pintura parece casi vibrar, precisamente como en un caluroso día de verano junto al mar, donde la superficie del agua se rompe por el viento para convertirse en un millón de pequeños espejos intermitentes. Es esta la impresión que quiere transmitir, como experimentó en los acantilados de Pourville en 1882.

Claude Monet, Waves Breaking, 1881, 59,7x81,3 cm.

Las composiciones dramáticas de las pinturas de la costa de Monet, con fragmentos de acantilados en un borde de la pintura que se recorta contra la enorme extensión del mar, rocas de agujas retorcidas que salen del mar, etc., están muy cerca de los motivos de sus estampados japoneses favoritos. En la década de 1880, Monet eligió modos más abstractos para encarnar el empuje de los acantilados y la marejada del mar alrededor de las rocas erosionadas. Aquí siguió el ejemplo de las marinas de Courbet, que había dividido su pintura horizontalmente en mar y cielo y había enfatizado la sustancia del mar, su luminosidad. La pintura de Monet es bastante desconcertante y consiste en hileras de trazos sueltos y curvos, pintados con pintura gruesa y pegajosa, que crean una sensación del incesante movimiento de las olas y de la forma en que se capta un destello tardío de luz fría de la tarde.

George Henry Boughton, The Christmas Wreath, 1870

Aunque se había mudado a Inglaterra, Boughton envió una pintura titulada Nochebuena a la Academia Nacional de Diseño de Nueva York en 1869. Este trabajo puede estar relacionado con esa composición. Hizo su reputación con grandes escenas históricas con los peregrinos o los primeros colonos holandeses en Nueva York, pero en Inglaterra comenzó a pintar obras más íntimas. Este es un ejemplo, un pequeño retrato de una niña parada en la nieve.

Albert Bierstadt, California Spring, 1875, 137,8x214 cm.

Perteneció a la segunda generación de la Hudson River School y es más conocido por sus vistas panorámicas del oeste americano. Nacido en Alemania y criado en Massachusetts, regresó a su tierra natal para estudiar pintura, donde desarrolló su marca de transmitir efectos teatrales de luz y sombra. Después de regresar a los Estados Unidos, viajó al oeste, poco explorado y escasamente habitado, para pintar su paisaje y llevar sus fotos a un público curioso. En esta obra celebra el oeste americano como un paraíso similar al Edén a orillas del río Sacramento, con vistas a las duras realidades de la vida agrícola en el Valle Central, como las sequías recurrentes, el pastoreo excesivo y la pobreza. El horizonte se encuentra flanqueado por robles de California.

Archibald Motley, Cocktails, 1926.

Fue uno de los primeros artistas en retratar la vida urbana de sus compatriotas afroamericanos en Chicago. Su objetivo era “expresar al negro americano honesta y sinceramente”, independientemente de la actividad. Aquí, un grupo de mujeres elegantemente vestidas disfruta de una ronda de bebidas, durante la Prohibición, cuando la fabricación y venta de alcohol era ilegal. En la pared de detrás hay una pintura de monjes, contrastando la convivencia de las mujeres y sugiriendo temas de moderación y moralidad.

William Glackens, The Green Boathouse, 1922.

Este cuadro puede representar una ubicación en Conway, New Hampshire, donde pasaba las vacaciones. Su elección de la actividad de ocio al aire libre como foco de la pintura es una característica recurrente de su trabajo maduro, que se presta a una representación directa y espontánea. Su deuda con los impresionistas puede verse en los colores intensos, el pincel enérgico y la superficie texturizada. Aunque pasó periodo de tiempo cada vez más largos en Francia, sus obras recibieron elogios de los críticos por sus supuestas cualidades americanas.

Claude Monet, Waterloo Bridge, Sunlight Effect, 1903, 73,8x98,1 cm.

Claude Monet comentó una vez que, si no fuera por la niebla “Londres no sería una ciudad hermosa. Es la niebla lo que le da su magnífica amplitud”. Mientras trabajaba en su serie de Londres, se levantaba temprano todos los días para pintar el puente de Waterloo por la mañana, pasando al puente de Charing Cross al mediodía y por la tarde. Observó ambos motivos desde su ventana del quinto piso en el Hotel Savoy. Quizá fue comenzada en 1900 y  data de cuando Monet sintió que estaba terminada. Trabajó en todas sus pinturas en Londres en su estudio en Giverny, negándose a enviarlas a su distribuidor hasta que estuvo satisfecho.

Antonio Carneiro, Contemplation, 1911, 37x60 cm.

Un ejemplo de la poética desarrollada por este artista a lo largo de las muchas playas que pintó, el cuadro transforma el paisaje en un estado de ánimo. Dada la fluidez del trazo de los pinceles, el rosa crepuscular desmaterializa las rocas para envolverlas en una sensación de valores metafóricos. Es paisaje es el punto de vista subjetivo de una figura meditativa que lo contempla y hacia donde convergen las líneas de composición.

Giacomo Balla, Sketch for the ballet Feu d´artifice, 1917.

En 1917, en el Teatro Costanzi de Roma, la actual Ópera, Giacomo Balla organizó (al menos dos veces en el mes de abril) Feu d´artifice para Djaglilev´s Ballets Russes, con música de Igor Stravinsky. Fue un curioso experimento de “ballet sin bailarines”, en el que la iluminación realmente bailaba, articulada en un complejo de encendido y apagado de hasta 49 luces polícromas. La escena diseñada por Balla estaba compuesta de sólidos geométricos cubiertos con lona.

Walter Launt Palmer, White World, 1932.

Fue un pintor impresionista, hijo de un escultor prominente. Comenzó su formación artística bajo la dirección Church, el principal artista paisajista de la época. Viajó al extranjero y conoció a John Singer Sargent. En Europa adquirió un creciente interés por el impresionismo francés, así como por los temas venecianos. De vuelta a Estados Unidos comenzó a pintar interiores de edificios, su primera serie importante de trabajos. Sus obras más notables son escenas de paisajes invernales, por lo que fue llamado el “pintor del invierno americano”.